藝術評論 : 【質物映心】 - 論呂宗燦繪畫物與象「讀空」之間的精神探索
2019 / 04 / 13
藝術家Artist : 呂宗燦 Lu Tsung-Tsan
藝術評論Arts review : 胡鐘尹 Hu Jung-Yi
回憶對人而言彌足珍貴，往往被飾以詩意的色彩。最美好的回憶是童年回憶。的確，記憶需要雕琢，才能以它為基礎，透過藝術手法重建過去，重點是不能喪失特殊的情感氛圍，否則即使以鉅細靡遺的細節重建回憶，也只會引起我們苦澀的絕望感受。 《雕刻時光》， Andrei Tarkovsky (註1)瓷杯、提壺、老物與木長椅，是呂宗燦漫長的創作生涯中，不斷不斷描繪的幾個畫面物件，與其說他描繪的是物件，不如說他在意的是這些物件彼此羈絆，娓娓道出的空間情愫。
一個情感格外細膩與濃烈的大男孩，要以永保赤子的真誠，期盼在情感漸薄的當代社會裡，透過作品留下一點可供觸發共感的人性精神，這精神的所在，在呂宗燦的繪畫裡表示的是”關係產生的情感羈絆”而家庭關係更是在這情感羈絆裡的核心主題，男人與女人、父母與兒女、三代的傳承，舊識與新知的噓寒問暖，人與人的關係形成緊密相扣的同心圓環，為彼此的生命成長留下彌足珍貴的回憶。
具體物件的表現，在呂宗燦的繪畫裡佔有重要的位置，但他也不像典型的靜物畫家那樣，聚焦在物件的道德寓意，或顯示其文化背景的象徵。物件的存在，是為了在空間中觸發對話的可能，他往往設置一組、至多不超過三組的排列組合，置放在充滿詩意想像的背景中，通過觀者反覆地觀看、沉澱、在回應各自生命歷程中的情感連結，因而受他繪畫柔軟的訴說口吻而感動。
觀看呂宗燦的作品，首先關注到的是，色彩濃淡、清楚與朦朧的兩種特徵間的「過渡狀態」 從他繪畫裡獲得的一種「讀空」經驗，空並非空無，而是在物件與背景、有形與大象交界的曖昧狀態裡，我們得以從虛實的轉換中，讀取弦外之音的訊息 。
間隙裡有氣的流動，透過物與象的間隙，空間的對話、藝術家的覺知對圖像的反覆探問，才能夠通過表象抽離至精神性的探索，
正如身體現象學家-梅洛龐蒂(Merleau-Ponty)在討論畫家及其繪畫作品的關係時所言 :
「眼睛(畫家之眼)觀看世界，看見了世界要做為圖畫所欠缺的東西，看見圖畫要成為自身所欠缺的東西，看見調色盤上為空缺的回應（內在光譜所視的色彩與境界)」(註2)
以整體氛圍思考畫面布局的呂宗燦，色彩帶有整體一致的個人情感徵候，早年以黑底的凝重凸顯親人別離的鬱塞傷感，近年逐漸明朗的清藍與自然光色彩，則預示了走出灰霾的新里程。
當畫面中的物件，脫離了僅為圖式象徵的功能，透過筆觸的摩擦、光線的曳動以及氣息聚散等，化作畫面裡中性的客觀元素呈現(對比於主觀詮釋壟斷的私密性)，而這些客觀元素，是從創作者的深層情感催化而出，觀者的感知，在這樣的呼應狀態中，便可能的觸及創作者的情感共鳴，雖然每個人家庭生活的樣貌有異，但在互動過程中產生不言而喻的愛，卻是共有的感念。
呂宗燦的繪畫雖然人物缺席，但物件使用的痕跡，將繪畫透過內在情感的催化，留下對「人味」意境深長的回味。
說呂宗燦的畫裡有一股老靈魂，是說他的作品深處，帶有一股以念舊之情為底蘊的單純時光追憶，那股早期純樸社會，令人永遠懷念的人情味與親情羈絆。
作品情境裡虛實曖昧的交界狀態，是為了透過留有餘地的想像空間，帶領觀者進入精神性的探索，正如中國哲人莊子於《內篇:人間世》所云 : 「瞻彼闋者，虛室生白，吉祥止止。」表達以一種豁達平常心的態度看待天地萬物，便能看清處事物，明白深刻的箇中道理，內心也自然舒坦平和。 人生的旅途，是條經時間不斷試煉的綿延道路，近年呂宗燦對創作的材質表現形式，進行一系列的建構再解構，他作品裡的「讀空」是要從老東西、老鄉愁的眷戀語境中提煉新的形式語言表現，但即使形式如何改變，不變的是同一種精神歌詠 — 人與人建立的關係之圓，維繫著珍貴的情感價值。
欄簡之間
2018的作品，如 :〈奧藏萬物-善行天下 , 2018 〉(圖3)、〈清晨的問候 , 2018 〉(圖4)，首次採用新的材料，選取老屋淘汰的舊木框、木拼板與檜木門片為架構。此時期的作品，雖還帶有形象具體的傳統繪畫意味，但繪畫的體質已徹底改變，材料本身的形式語言，如老木頭厚實的溫潤感，檜木散發的沉穩性格與香氣，讓作品除了有畫面裏埋藏的創作者思索，還能帶來材料本身獨特的質地美感。
繪畫在排列規整的檜木門上，令人聯想到日本屏風繪畫的另一種演繹方式，特別的是檜木片排列中產生的間隙，規律中有錯落，給人一種呼吸而穿透的感覺，也斷開了物件形象的完整輪廓，觀者甚至可以想像，當窗戶推開、門片嘎嘎拉開時，戶外出現的情景，宛如台灣60、70年代的時空光景，加強以追憶為韻的印象式解讀。 檜木片的間隙以及描繪其上的情景，有如道出時過境遷，但情愫返照心間的留影，除了對過往的追憶，更重要的是對於現時現地的生活，仍要保有感覺，仍要以真摯的情感面對生命存在課題的精神。
就像梅洛龐蒂(Merleau-Ponty)開闢的身體現象學，強調身體是感知經驗的永恆前提，非由意識先導肉身，而是與肉身同時作用，並且主張對世界的認識，首先是由這個身體性的知覺，接觸世界的那一個瞬間觸發。 呂宗燦的繪畫裡的形象，親身參與的在場感，即使透過拆解與破形，觀者還是能夠感受他作品裡強烈且具體的現實依託。從兩處著手，首先是採用實際的現成物入畫的表現手法，例如作品〈相伴一生系列 , 2018–19 〉(圖2) 把過往品茶用的磁杯入畫，意表品茶之外還有談笑風生的喜悅。另一方面是透過圖像提示給人的生活經驗，物件在社會裡成為人與人的中介，互動而延伸的情感維繫，如木長椅是早期宅院生活，象徵祖孫同堂、親鄰好友相聚用膳喝茶的物件，帶有濃濃的人情味。
生泥糠土
真正要進入更純粹的繪畫境界，得先要從呂宗燦創作開始採用的糠土、稻殼、生泥等土地材料開始，才標誌他進入了更為隱含而深邃的精神向度。
精神探索的「道路」，同是條「稻路」。稻榖，孕育生命的資糧；土地，落地生根而使之化為永續的生命輪迴，
正如基督教《聖經》- 〈約翰福音12:24〉裡一段富饒生命期許的話 : 「一粒麥子如果不落在地裡死去，它仍然是一粒；如果死了，就結出很多子粒來。」
呂宗燦作品〈奧藏萬物-本心, 2019〉(圖1)、〈奧藏萬物-時間佐茶, 2019〉(圖5)、〈奧藏萬物-幸福之門, 2019〉(圖6) 畫面裡粗糙的有機質地，直接的表現了材質本身的易朽性與變易性，但卻因此更能凸顯生命可貴性隱喻。
人規避不了的悲歡離合與生老病死，是課題也是旅程，我們或許能夠體悟到，無限的生命，建立在有限的質料上。正是因為質料(身體、有形之物)的有限與非永恆，這種變動性創造的空間游移彈性，才使得追求永恆的精神得以可能，人的精神，便永遠處在通往無限生命的路途上。 泥土(塵土)與失去生命的稻殼，透過滲透表皮，看到蘊含其上的生命軌跡，
另一表現面向的作品，如〈相伴一生系列 , 2018–19 〉(圖2) 則以厚實的泥底砌於木板上，產生高反差的視覺趣味，有時劃開縫隙，讓人瞥見牆中的別有洞天，有時則真的以木板相接形成更強烈的空間光影變化。當畫面描繪的具體形象越來越少，甚至只剩一抹色光流域與幾只小茶杯，一個空間轉換到另一個空間，帶給觀者更多「讀空」的想像空間。
由此便能理解到呂宗燦在選擇檜木門片、木椅及瓷杯時，材料本身所透析的是同一種精神刻度，是經歲月風霜洗禮及時光的冷落後，藝術創作者，透過惜物若睹思念人；惜物同惜人的真摯情感，帶領觀者進入物外之心的精神境地。
對大地而言，生命的朽滅即是奉獻，朽滅方才迎來心的創生。
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註1 安德烈.塔可夫斯基(Andrei Tarkovsky)著，鄢定嘉 譯，《雕刻時光》，漫遊者文化出版，2017，頁31。
註2 梅洛.龐蒂(Merleau-Ponty)著，龔卓軍 譯，《眼與心》，典藏藝術家庭，2007，頁86。
